Cinetopia es la encargada de llevar la película a todas las salas en una versión remasterizada en 4K

Bogotá, 26 de Junio del 2025.- “La quimera del oro”, del genial cineasta Charles Chaplin, es un clásico de todos los tiempos que cumple 100 años y regresa con un reestreno en cines a nivel mundial en más de 70 países.

En Perú, el público podrá verla próximamente Cineplanet, Cinemark, Cinépolis, entre otros, su primera exhibición fue el 26 de junio de 1925 en el Egypt Theatre, de Los Ángeles, Estados Unidos.

En América Latina, Cinetopia es la encargada de llevar la película a todas las salas en una versión remasterizada en 4K y una restauración supervisada por la Fondazione Cineteca di Bologna a partir de materiales originales.

Este nuevo lanzamiento de la obra maestra de la cinematografía, dirigida, producida y protagonizada por Chaplin en 1925, inauguró la sección Cannes Classics en el Festival de Cannes este año.

La película tiene una calidad visual inédita que permite apreciar la maestría técnica y estética de Chaplin en todo su esplendor. Su impacto se extiende más allá de su época, siendo una influencia clave en el cine moderno.

Una historia tan sencilla como la de un vagabundo que busca oro para alejarse de la vida que lleva, combinando humor, emoción y crítica social, fue y es clave en la carrera de muchos artistas.

Comentarios:

“Su capacidad para mezclar comedia y tragedia es única” – Pedro Almodóvar

“Una influencia profunda en el cine” – Quentin Tarantino

“Visualmente innovadora ya la vez profunda” – Tim Burton

El festival de la ciudad costera francesa se celebrará del 17 al 28 de este mes, en el que por supuesto Colombia se hace presente con dos filmes: “Un varón” de Fabián Hernández y “La jauría” de Andrés Ramírez Pulido, en diferentes secciones del encuentro cinematográfico.

De Bogotá al cine internacional

“Un varón”, la ópera prima del director colombiano Fabián Hernández y producida por Manuel Ruiz y Medio de Contención Producciones, participará en la competencia de la Quincena de Realizadores. La participación de la película, en el marco del más importante festival de cine del mundo, se convierte en su estreno mundial.

El filme cuenta la historia de Carlos, un joven que debe enfrentarse a las circunstancias complejas de las calles de su barrio en el centro de Bogotá, que lo obligan a asumir estereotipos sociales y culturales, en abierta contradicción con su ser.

La película nace de las experiencias personales de Hernández en el barrio donde vivió su adolescencia y así se refirió a este logro que marca un importante punto de partida para su primer largometraje, antes del estreno en Colombia.

“Ser seleccionados en la Quincena de Realizadores, que ya completa 54 ediciones, es el reconocimiento a un trabajo honesto y con mucho corazón, que hemos venido desarrollando desde hace más de cuatro años. Es una gran oportunidad para que la película arranque un recorrido en festivales internacionales por todo lo alto”.

El joven cineasta agrega que participar en este prestigioso apartado del Festival Internacional de Cine de Cannes tiene también una relevancia personal porque “muchos de los autores de cine que me apasionan han estrenado sus películas ahí”.

Esta producción, rodada en barrios tradicionales del centro de Bogotá como San Bernardo, Santa Fe, El Voto Nacional, La Estanzuela y Las Cruces, es protagonizada por Felipe Ramírez, un joven que incursiona en la actuación, al igual que la mayoría del elenco que enfrenta su primer largometraje, y que interpreta magistralmente al personaje de Carlos.

Sin duda el estreno en la Quincena de Realizadores marca el comienzo de un camino prometedor. “Es un reconocimiento muy importante para Fabián y para el talentoso equipo que participó en la realización de la película. Para mí es una gran satisfacción retribuir de esta manera el apoyo de las instituciones nacionales e internacionales que creyeron en el proyecto”.

“La jauría” y “Aribada” en la Semana de la Crítica

Por otra parte, la película colombiana “La jauría” de Andrés Ramírez Pulido competirá en la Semana de la Crítica del festival de Cannes, que además acoge una nueva presidenta, la francesa Ava Cahen.

“Andrés Ramírez Pulido nos conduce hasta un lugar aislado en el corazón de la selva colombiana, un centro experimental para la reeducación de jóvenes delincuentes”, explica la nota de prensa del certamen.

‘“La jauría’ es un primer largometraje a la vez cautivador, visceral y tenebroso. Una película poderosa que versa el control de las pulsiones y las emociones”, añade el texto.

En esta cinta el deseo enceguecido de asesinar a su padre llevó a Eliú, un adolescente campesino, a matar a otro hombre por error. Ahora paga una condena en un remoto y enigmático centro de reclusión en medio de la selva.

Ramírez también dirigió el cortometraje “Damiana” lanzado en el 2017, el cual fue seleccionado en la Competencia Oficial del 70º Festival de Cannes y participó en los festivales de Toronto y Toulouse, donde obtuvo la Mención Especial del Jurado. Asimismo, dirigió “El Edén”, el cual tuvo su estreno mundial en el 66º Festival de Berlín y obtuvo múltiples premios en los festivales de Busán, El Cairo, Biarritz y Viña del Mar, entre otros. Ramírez hizo parte del Berlinale Talents Campus 2017 y de la residencia Lizières en Francia. En 2012 cofundó Valiente Gracia, compañía que ha producido sus últimos filmes.

Por su parte, en esta sección también competirá “Aribada”, de Simon(e) Jaikiriuma Paetau, de origen alemán y colombiano, y de la colombiana Natalia Escobar.

Fuente: Nuevo Siglo

El informe afirma que “The French Dispatch” de Wes Anderson, “Another Round” de Thomas Vinterberg, “Comes Morning” de Naomi Kawase, “Ete 85” de Francois Ozon y “Memoria” de Apichatpong Weerasethakul probablemente estén entre las 50 películas de la “Selección Oficial”.

También se rumorea que se unirá a la lista, la esperada película de Sofia Coppola, titulada “On the Rocks”, el primer largometraje de la directora que se asocia con Apple TV +. Sin embargo, dado que no hay competencia oficial en el festival de este año, no sabemos si la película está planeando un estreno en cines para cumplir con las reglas de competencia de Cannes o no.

De las películas mencionadas anteriormente, “The French Dispatch” es la opción más obvia. Cuando se anunció originalmente la película de Anderson y se hizo público un plazo de lanzamiento, el debut en Cannes parecía inevitable. Sin embargo, las otras cuatro películas son igual de emocionantes, cada una proviene de cineastas respetados y probablemente habrían competido por la codiciada Palma de Oro.

Cabe recalcar que el Festival de Cine de Cannes fue cancelado este año debido al COVID-19, pero de todas maneras se anunciarán a los seleccionados este 3 de julio.

“Cannes, su alma, su historia, su eficiencia, es un modelo que no funcionaría. ¿Qué es un festival digital? ¿Una competencia digital? Deberíamos comenzar preguntando a los titulares de los derechos si están de acuerdo”, respondió Fremaux en una entrevista publicada por la revista Variety.

A continuación, el director puso en duda que los estudios aprobasen la idea de presentar por primera vez sus grandes proyectos a través de internet.

“¿Películas de Wes Anderson y Paul Verhoeven en un ordenador? ¿Conocer ‘Top Gun 2’ o lo nuevo de Pixar ‘Soul’ en otro sitio que no sea un cine? -preguntó-. Son películas que se han aplazado para estrenarse en una gran pantalla. ¿Por qué motivo íbamos a querer enseñarlas antes en un dispositivo?”.

En su respuesta, Fremaux avanzó alguno de los títulos que podrían barajarse para la edición de 2020.

Cuando el certamen anunció que, ante la actual crisis sanitaria, su 73 edición, prevista para los próximos 12 al 23 de mayo, no podrá celebrarse en esas fechas, los organizadores indicaron que la principal idea era la de un “simple aplazamiento” para “finales de junio-principios de julio de 2020”.

Aunque otros encuentros cancelados, que también se celebran en esta primera mitad del año, como el Festival SXSW de Austin (Texas, EE.UU.) ya han apostado por una competencia “online”.

Sin embargo, esa cita no cuenta con la importancia ni la puesta en escena que despliega Cannes cada año, un festival situado entre los grandes del circuito junto a los de Berlín, Venecia y Toronto.

“Si se cancelan todos los festivales tendremos que pensar en una forma de exhibir las películas, para evitar perder un año, pero no creo que una alternativa precaria e improvisada de Cannes o Venecia, tan pronto hecha como olvidada, sea la solución”, sentenció.

Desde que la posibilidad de celebrar ediciones remotas se planteara, las tensiones sobre la piratería, internet y la exhibición en cines han vuelto intensificarse.

Tras haber sido galardonada en la reciente edición de los Golden Globe como “Mejor Película Extranjera”, “Parasito”, película surcoreana dirigida por Bong Joon Ho, llega a las salas nacionales el próximo 6 de febrero con una trama donde el suspenso, humor negro y el drama son los protagonistas.

“Parasite” aborda las profundas diferencias en las clases sociales de Corea del Sur, a través de la historia de Ki-Woo, hijo de una familia de escasos recursos que logra subsistir día a día con trabajos poco remunerados y algunas maniobras que se alejan de la moral y las leyes. No obstante, cuando Ki-woo consigue un puesto de trabajo enseñando inglés a la hija de una familia adinerada (los Park), no demora en idear estrategias para introducir a los otros miembros de su familia en distintos puestos de trabajo en la residencia de los Park, a través de una serie de artimañas que no dejarán a nadie exento de esta locura. 

La esperada película ha recibido múltiples distinciones, convirtiéndose en una de las favoritas de la temporada. Entre los principales reconocimientos recibidos se encuentran:

• Globos de Oro: Ganadora Mejor Película Extranjera y nominada a Mejor Director y Guión
• Festival de Cannes: Palma de Oro a Mejor Película
• Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor Película Extranjera
• National Board of Review (NBR): Mejor Película de habla no inglesa
• American Film Institute (AFI): Premio Especial AFI
• Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor Película, Director y Actor Secundario
• Critics Choice Awards: 7 nominaciones incluyendo Mejor Película, Director y Película Extranjera
• Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor Película Extranjera
• Asociación de Críticos de Chicago: 4 premios, incluyendo. Mejor Película.
• Satellite Awards: Nominada a Mejor Director, Guión y Película Internacional
• British Independent Film Awards (BIFA): Mejor Película Internacional
• Sindicato de Actores (SAG): Nominada a Mejor Reparto
• Sindicato de Productores (PGA):  Nominada a Mejor Película.
• Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor Director

Durante doce días, este 72º Festival de Cannes ha homenajeado a artistas y películas de todo tipo, convirtiendo el cine en una fiesta de descubrimientos y reencuentros compartidos en todos los rincones del planeta. Esta noche, sobre el escenario del Grand Théâtre Lumière, el maestro de ceremonias, Edouard Baer, ha recibido al jurado de los largometrajes, presidido por Alejandro González Iñárritu, para anunciar el palmarés de 2019.

LARGOMETRAJES

PALME D’OR
GISAENGCHUNG (Parasite), dirigida por BONG Joon-Ho

La Palme d’or ha sido entregada por Catherine Deneuve y Alejandro González Iñárritu.

Bong Joon Ho ha declarado: “Siento no haber preparado mi discurso en francés pero no esperaba llevarme la Palme d’or. Me siento muy honrado. Siempre me ha inspirado el cine francés. Quiero dar las gracias a dos directores: Henri-Georges Clouzot y Claude Chabrol. La aventura de Gisaengchung (Parasite) ha sido muy peculiar. Quiero dar las gracias a todo el equipo de la película y a su sociedad de producción, con sede en Corea del Sur. Esta película no habría existido sin mis actores, que estuvieron increíbles. Era un chico de solo doce años, fanático del cine, cuando decidí que sería director. Estoy asombrado de poder tocar este premio, que significa algo muy importante para mí. Gracias”.

GRAND PRIX
ATLANTIQUE (Atlantics), dirigida por Mati DIOP

El Grand Prix ha sido entregado por Sylvester Stallone.

La directora francosenegalesa rindió homenaje a su equipo, entre Francia y Dakar. «Creo que eso es lo que llaman la aventura del cine. Hace un año, terminaba esta película en Dakar. Esta película también es una declaración a esta ciudad, a las calles de Dakar. Estoy aquí pero también estoy allí».

PREMIO AL MEJOR DIRECTOR
LE JEUNE AHMED (Young Ahmed), dirigida por Jean-Pierre y Luc DARDENNE

El premio al mejor director ha sido entregado por Viggo Mortensen.

Jean-Pierre y Luc Dardenne han declarado: “Gracias al jurado por esta recompensa, por una película que hemos querido que fuera una oda a la vida. Hemos filmado a un joven fanático religioso en estos tiempos difíciles. Al filmar esta historia, hemos querido filmar una llamada a la vida, al extranjero, a la diferencia. Esa es también la vocación del cine. Queremos dar las gracias al joven Idir, que ha interpretado tan bien a Ahmed”.

PREMIO DEL JURADO EX-ÆQUO
Los premios del jurado han sido entregados por Michael Moore.

LES MISÉRABLES, dirigida por Ladj LY

Ladj Ly ha declarado: “Gracias a Thierry Frémaux por haber tenido la audacia de elegir esta película. Estoy muy emocionado… El único enemigo común entre los habitantes y los policías de los suburbios es la miseria. Quiero dedicar este premio a todos los Miserables de Francia”.

BACURAU, dirigida por Kleber MENDONÇA FILHO y Juliano DORNELLES

Kleber Mendonça Filho: “Es mi vigésimo año en el Festival. En los inicios, era crítico de cine y descubrí muchas películas. Resulta extraño recibir este premio y encontrarme en el lado opuesto. Gracias”.

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA
Antonio BANDERAS por DOLOR Y GLORIA (Pain and Glory), dirigida por Pedro ALMODÓVAR

El premio a la mejor interpretación masculina ha sido entregado por Zhang Ziyi.

Antonio Banderas ha declarado: “Cuando he subido las escaleras, me han preguntado cuánto tiempo había tardado en llegar hasta aquí. Y he respondido: 40 años… Es un premio por el que me siento muy agradecido, tanto como actor como también por mi personaje. No es un secreto para nadie que este personaje es Pedro Almodóvar. Hemos rodado ocho películas juntos. Le quiero, le respeto, es mi mentor. Tengo que dedicarle esta recompensa. Detrás de la profesión de actor, conocemos mucho dolor pero también hay noches de gloria y esta es mi noche de gloria. Lo mejor está por llegar”.

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA
Emily BEECHAM por LITTLE JOE, dirigida por Jessica HAUSNER

El premio a la mejor interpretación femenina ha sido entregado por Reda Kateb.

Emily Beecham ha dado las gracias a Jessica HAUSNER por haberla escogido: «Es una película magnífica».

PREMIO AL MEJOR GUION
Céline SCIAMMA por PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU (Portrait of a lady on fire)

El premio al mejor guion ha sido entregado por Gael García Bernal.

Céline Sciamma ha declarado: «Yo que iba a abandonar mi carrera como guionista… este premio me lleva a mi soledad inicial, que resultó no ser tal como me demostró la continuación de esta aventura. Permítanme hablar de aquellos que dieron vida a esta película, a todo mi equipo. Les debo un agradecimiento eterno».

MENCIÓN ESPECIAL
A Elia SULEIMAN por IT MUST BE HEAVEN

La mención especial ha sido entregada por la actriz Chiara Mastroianni.

Elia Suleiman ha declarado: “Muchas gracias a los productores que han contribuido y trabajado en esta película. Muchas gracias al Instituto, sin el cual la película jamás habría visto la luz”.

CORTOMETRAJES
PALME D’OR
THE DISTANCE BETWEEN US AND THE SKY, dirigida por Vasilis KEKATOS

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO
MONSTRUO DIOS (Monster God), dirigida por Agustina SAN MARTÍN

La Palme d’or y la mención especial del jurado para los cortometrajes han sido entregadas por la presidenta del jurado de los cortometrajes y de la Cinéfondation, Claire Denis, y por Nadine Labaki, presidenta del jurado de la sección Un Certain Regard.

UN CERTAIN REGARD
PREMIO UN CERTAIN REGARD
A VIDA INVISÍVEL DE EURÍDICE GUSMÃO (The invisible life of Eurídice Gusmão), dirigida por Karim AÏNOUZ

PREMIO DEL JURADO
O QUE ARDE (Fire will come), dirigida por Oliver LAXE

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN
CHIARA MASTROIANNI por CHAMBRE 212 (On a magical night), dirigida por Christophe HONORÉ

PREMIO AL MEJOR DIRECTOR
KANTEMIR BALAGOV por BEANPOLE

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO
LIBERTÉ, dirigida por Albert SERRA

COUP DE COEUR DEL JURADO EX-ÆQUO
LA FEMME DE MON FRÈRE (A brother’s love), dirigida por Monia CHOKRI

THE CLIMB, dirigida por Michael Angelo COVINO

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO
JEANNE (Joan of Arc), dirigida por Bruno DUMONT

CAMÉRA D’OR
NUESTRAS MADRES (Our Mothers), dirigida por César DÍAZ, presentada en el marco de LA SEMAINE DE LA CRITIQUE.

El premio de la Caméra d’or ha sido entregado por el presidente del jurado de la Caméra d’or, Rithy Panh, y por la actriz Valeria Bruni-Tedeschi.

César Diaz ha declarado: “Gracias al Festival de Cannes, al jurado y a la Semaine de la Critique por haberme invitado. Quisiera dedicar este premio a las 250.000 víctimas guatemaltecas y a estas mujeres que siguen aguantando”.

CINÉFONDATION
PRIMER PREMIO
MANO A MANO, dirigida por Louise COURVOISIER
CinéFabrique, Francia

SEGUNDO PREMIO
HIẾU, dirigida por Richard VAN
CalArts, Estados Unidos

TERCER PREMIO EX AEQUO
AMBIENCE, dirigida por Wisam AL JAFARI
Dar al-Kalima University College of Arts and Culture, Palestina

DUSZYCZKA (The little soul), dirigida por Barbara RUPIK
PWSFTviT, Polonia

El Premio CST al mejor artista técnico de 2019 ha sido concedido a: Flora VOLPELIERE por el montaje y Julien POUPARD por el encuadre y la iluminación de la película de Ladj LY: LES MISÉRABLES.

Una mención especial ha sido entregada a Claire MATHON, la directora de fotografía de las películas ATLANTIQUE (Atlantics) y PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU (Portrait of a lady on fire).

El jurado quiere destacar la excepcional dirección artística de LEE Ha-jun en GISAENGCHUNG (Parasite)

Pues bien, varias de las películas ya pudieron ser juzgadas por jurados, crítica especializada y algunos afortunados espectadores. Compartimos con ustedes algunas de las sensaciones y reacciones que hemos podido recopilar.

Jim Jarmusch y su oleada de zombies en la apertura
Expectativa alta, reparto de lujo y un director que pocas veces suele decepcionar, ¿qué podía salir mal? Lamentablemente, la comedia de serie B protagonizada por Bill Murray, Adam Driver, Tilda Swinton, Steve Buscemi, Chloë Sevigny, Danny Glover y Selena Gómez, no gozó de los elogios esperados. Varios críticos coinciden en que el reparto en cuestión es desperdiciado y así mismo, no ofrece novedad alguna dentro de un género que ya luce desgastado. En contraste, Stephanie Zacharek, reconocida crítica miembro de National Society of Film Critics y editora de TIME, no se mide en elogios al calificarla como una excursión de fin de semana a tu teatro local, enfatizando en la integralidad de Jarmusch al momento de concebir sus filmes.

Bacurau, la única apuesta con sabor latino
Juliano Dornelles y Kleber Mendonça Filho, recordados por Aquarius (2016), el primero oficiando como director y el segundo como diseñador de producción, arribaban a Cannes como únicos representantes latinos en la Selección Oficial. El drama de contexto social ambientado en un pequeño pueblo brasileño resalta por su estilo perturbador, crudo y caótico; Peter Bradshaw, crítico de The Guardian, hasta la compara con un western tipo A Fistful of Dollars por sus altas dosis de violencia y fuerza implacable.

¡Quiero mi tercera Palma!
El realizador británico, uno de los más laureados en Cannes: ganador en dos ocasiones de la Palma de Oro por The Wind That Shakes the Barley (2006) y I Daniel Blake (2016), y de tres premios del jurado, no necesitaba presentación, bastaba con una mención. Pues bien, apenas fiel a su estilo, retoma su crítica social para retratar la esclavitud contemporánea propia del sistema político capitalista. ¿Cumplió? Así es. Justin Chang, columnista de Los Angeles Times, clasifica a Sorry We Missed You como fascinante y contundentemente persuasiva, mientras el consenso general apunta a la calidad de las actuaciones y honestidad brutal de la apuesta, a pesar de repetir la fórmula de siempre.

La sorpresa más grata de Cannes
La directora francesa Céline Sciamma, responsable de Tomboy (2011) y del guion de la película animada My Life as a Zucchini (2016), recibió todos los elogios posibles gracias a su nueva película. Los especialistas coinciden en calificarla como un drama exquisito que no tiene desperdicio alguno. Richard Lawson, de Vanity Fair, la describe como una película que escapa del cliché y se convierte en algo glorioso: un estudio del amor prohibido que resalta cuánto se ha perdido bajo el yugo opresor del heteropatriarcado.

Pedro Almodóvar y su 8½ se llevan las palmas
El reconocido realizador español, premiado en 1999 como Mejor Director en Cannes por Todo Sobre mi Madre, película con la que también logró un Oscar, y cuya cita le significaba la tercera aparición en la Selección Oficial, merecía toda la atención de asistentes y comité organizador al momento de proyectar Dolor y Gloria. ¿Pero qué tal fue la recepción de su nuevo filme? Bueno, comencemos por decir que gozó de 12 minutos de aplausos, ¡12 minutos de ovación! La crítica se despachó en elogios de inmensas proporciones; Eric Kohn (Indiewire) se atreve a calificarla como su película más personal y una de las mejores de su carrera, otros coinciden en afirmar que goza de solidez y madurez narrativa desbordante, en medio de un ejercicio autobiográfico que dignifica el oficio del cineasta. Y todavía más importante, hace honor a su título al mostrarse como una obra tan transparente y gloriosa como dolorosa.

Malick en su mejor estado de forma
Terrence Malick, otro viejo conocido de Cannes, premiado como Mejor Director en 1978 y ganador de la Palma de Oro con The Tree of Life (2011), no estuvo presente en la proyección de su nuevo film: A Hidden Life (2019), cuya extensa duración de 2 horas y 53 minutos no fue impedimento para recibir aprobación unánime de la crítica y postularse como una de las favoritas. Alixa Wilkinson, crítica de Vox, la etiqueta como hermosa y poética, e insiste en la relación que guarda con Days of Heaven y The Tree of Life. Por otro lado, Peter Debruge de Variety, la describe como un ejercicio cuyo objetivo es lograr distinción entre fe y religión, señalando el fracaso de la segunda. En cuanto al apartado visual, bueno, siempre es garantía.

Todos de pie, allí viene Tarantino
Quizá el invitado más esperado en esta versión de Cannes, incluido a última hora en la Selección Oficial. Fanáticos, prensa y público en general se amotinaron para recibir al realizador norteamericano quien llegó en compañía de un trío infalible, compuesto por Leonardo DiCaprio, Brad Pitt y Margot Robbie. Al momento de ingresar al auditorio, la ovación fue unánime; 6 minutos de aplausos antes de la proyección de Once Upon a Time in Hollywood. Pero, ¿y qué dijo la crítica? La mayoría concuerda en calificar el noveno filme de Tarantino como una película explosiva, provocativa, divertida y por supuesto, violenta; las referencias a los filmes que tanto lo influenciaron en su carrera no se hacen esperar. Jason Gorber, crítico canadiense de Slashfilm, la define como una hazaña sucia realizada sensualmente, una película sobre la mugre y la belleza que rodean a Hollywood, ¡ah! Y con muchos pies desnudos. Y como era de esperarse, los adjetivo no alcanzan cuando se trata de elogiar el trabajo de DiCaprio y Pitt.

En Bong confío, el surcoreano fiel a su estilo
El brillante realizador surcoreano, reconocido por inmensos filmes como Memories of Murder (2003), Mother (2009) o Snowpiercer (2013), y que hizo parte de la Selección Oficial de 2017 con Okja, película distribuida por Netflix, nos tenía esperando con ansiedad por su nueva pieza cinematográfica. En Parasite retoma contacto con un habitual en su filmografía: Song Kang-ho, quien por supuesto estuvo presente en la premiere de la película. El hype fue correspondido. Stephen Dalton, reconocido crítico y reportero del Hollywood Reporter, insiste en una puesta en escena cautivante y bien elaborada, en la que aprovecha para lanzar un ataque directo a las clase sociales altas y su ostentosa forma de vida. Toda apunta a una narración hostil y desenfrenada que no deja espacio a sutilezas. Una película redonda que podría aspirar al mayor galardón.

El chico prodigio canadiense presenta su novena película
Con apenas 30 años, nueve películas en su rol como realizador y dos Premios del Jurado en Cannes: Mommy (2014) y Juste la fin du monde (2016). El actor, actor y guionista canadiense llegó a Cannes para la premiere de Matthias & Maxime (2019), película que escribe, dirige y protagoniza. El niño consentido de Cannes fue aplaudido por el público asistente y su reacción se tradujo en lágrimas de felicidad. Las críticas están divididas. Mientras unos tildan las interpretaciones de artificiales en medio de situaciones forzadas, otros destacan el trabajo del joven director y su deslumbrante capacidad para sensibilizar a través de imágenes ambiguas.

¿Y fuera de competencia?
No nos podíamos quedar sin mencionar la premiere de Rocketman, película que sigue los pasos del extravagante y talentoso Elton John, y en una cosa coinciden todos, la maestría en la interpretación de un Taron Egerton que se aleja de la parodia y captura la esencia del cantautor británico. Sin embargo, advierten que por momentos se torna superficial y complaciente. Es entretenimiento puro y ya está.

Otro filme que merece que toda nuestra atención es el dirigido por Robert Eggers, responsable de The VVitch, y cuya dupla protagonista está formada por Robert Pattinson y Willem Dafoe. Para fortuna nuestra, los críticos insisten, de manera unánime, en la maestría de Eggers al momento de filmar. Perturbadora, claustrofóbica, dramática y hasta cómica. Michael Leader, de Little White Lies, dice que genera la sensación de haber sido desenterrada hace un siglo de un archivo documental escandinavo.

Sólo nos resta esperar por el palmarés de la versión 72 del Festival, pues la lista de must-see del año se acrecienta luego de conocerse los triunfadores tanto en categorías principales como en FIPRESCI, Un Certain Regard y por supuesto la Caméra d’Or, premio que termina en manos de la mejor ópera prima.

Aunque está ligada de forma tangencial al siniestro clan Manson, las casi tres horas de película apuntan a otra cosa. La historia de Sharon Tate (Robbie) es la excusa, la subtrama más cercana al thriller de un film en el que, en verdad, Tarantino quiere reconstruir, recuperar y exaltar un tiempo y un lugar: 1969 en Los Angeles.

Con un presupuesto muy importante para un autor que es más prestigioso que taquillero (unos 100 millones de dólares), con el carisma de sus intérpretes (además del trío protagónico hay un montón de pequeñas apariciones o mínimos cameos al punto de que parecería que medio Hollywood participó del rodaje), con su habitual jukebox de fondo (no paran de sonar canciones), múltiples referencias cinéfilas y de cómics, y un universo conformado por carteles de neón, afiches de películas, salas y autocines, Tarantino presentó (en fílmico, claro) una acumulación de caprichos hermosos, un film celebratorio, lúdico, nostálgico y divertido.

No faltarán los detractores (que la violencia contra la mujer, que las constantes burlas a los hippies, que casi no habla de Vietnam, que dedica demasiados minutos a cuestiones poco trascendentes para un público no iniciado, que es como un niño rico con juguetes nuevos sin que nadie lo controle), pero tanto él como los actores y los cultores de la “religión” tarantiniana sabrán disfrutar de este viaje en el tiempo, un paseo por casi todos los géneros clásicos (western, thriller, comedia, musical, gore) y semejante despliegue actoral (no cualquiera junta a Pitt y DiCaprio, le suma a Al Pacino, tiene a Margot Robbie en plan seductor y luego los rodea de veinte figuras más). Pero, antes que nada, Había una vez en… Hollywood es un exponente fascinante del cine dentro del cine. Y, más aún, es una carta de amor de Tarantino a la historia del séptimo arte.

Los protagonistas son Rick Dalton (DiCaprio), un actor de cierto renombre como malvado en series de TV y películas menores (obviamente Tarantino filma fragmentos de historias de cowboys y de venganza contra los nazis) que sería algo así como una mezcla entre Burt Reynolds y Clint Eastwood (como éste, viaja a Italia y España a rodar spaghetti westerns); y Cliff Booth (Pitt), un héroe de guerra que es su doble de riesgo, su chofer, su confidente y su asistente en cuestiones como arreglar la antena de televisión. Según admitió Tarantino, este personaje está inspirado en Hal Needham, stunt que acompañó durante mucho tiempo a Reynolds.

Las desventuras de ambos por los viejos estudios (hilarante la escena en la que Cliff enfrenta a Bruce Lee) es, al mismo tiempo, un tour en el que Tarantino nos lleva a recorrer ese cine con el que creció y al que tanto admira. Citar todas las referencias musicales y cinéfilas que hay en estas tres horas demandarían varias páginas. Algunas son evidentes (en ciertos pasajes incluso se escriben los nombres de actores que aparecen en pantalla como el Steve McQueen que interpreta Damian Lewis); otras, no tantas y dedicadas a los expertos. Es uno de los tantos juegos y placeres que regala desde siempre -y muy especialmente en la notable Había una vez en… Hollywood- ese director bulímico, ingenioso, desbordante y talentoso como Quentin Tarantino.

“Si uno escribe sobre un director (y si uno mismo dirige películas), es imposible no utilizar tu propia experiencia como referencia”.

Conducido por los hombres (Asier Etxeandia, Leonardo Sbaraglia…), la película ofrece también papeles secundarios exquisitos y maternales a Penélope Cruz y Julieta Serrano, a Nora Navas, fiel asistente del personaje, o a Cecilia Roth, deliciosa aparición.

El director ibérico se rodea de fieles colaboradores: Alberto Iglesias, autor de sus músicas desde La flor de mi secreto (1995), así como el emérito José Luis Alcaine en la iluminación. Tras Todo sobre mi madre, Prix al mejor director en 1999, y Volver, Prix al mejor guion en 2006, Pedro Almodóvar se presenta en el Festival con aires nostálgicos.

Escrito por Charlotte Pavard

«Rocketman», dirigida por Dexter Fletcher, no entra en la competición pero se proyecta aquí como primicia de su inminente estreno. La idea de la película es recrear una ficción que le haga un repaso bienintencionado a la biografía de Elton John, desde su infancia hasta, digamos, que sienta la cabeza. Narrado en clave musical y con una estructura redentora, que comienza con él vestido de demonio emplumado y asistiendo a una sesión de terapia de grupo: esto es lo que he sido. Se ilustra muy bien su época de infancia, sus dotes mozartianas para el piano, la terrible relación con sus padres, un tipo frío y nefasto y una mujer sin grandes, ni pequeñas, cualidades. Quizá algo caricaturesco y extremo el retrato familiar, pero hay que tener en cuenta el punto de vista –el propio Elton John está en la producción del filme–, y entender que no debe de ser nada fácil comportarse como padres de aquel Elton John…

Como es normal en este tipo de biopics (caso reciente de «Bohemian Rhapsody»), el recorrido del biografiado no se traza en toda su negrura, sino que se acomoda y blanquea para hacerlo digerible al espectador, y aunque se repasa todo su catálogo de adicciones y su caída en plancha en la vorágine, el desenfreno y la soledad, nunca se deja de estar a su lado. Quizá lo más logrado de ella sea el tratamiento de la amistad entre Elton John y su amigo y eterno letrista Bernie Taupin, y las interpretaciones que hacen Taron Egerton, algo alejado físicamente de Elton John, pero que le pilla el aura e incluso el tono a las canciones, y Jamie Bell, que le saca jugo o juego a su segundo plano.

Y se quedó un poco enterrada la otra película en competición, «Little Joe», de la austriaca Jessica Hausner, que planteaba una fábula moralista alrededor de la biogenética y la creación de una flor cuyas emanaciones deben de producir felicidad a los que la rodean. La puesta en escena es gélida, en el interior de esa planta donde se hacen los experimentos y en el interior familiar de la protagonista, la responsable del hallazgo de la flor y de sus propiedades, que tiene un hijo adolescente y una plantita con la flor en su casa… Los vaivenes psicológicos, aunque producen cierta intriga, no acaban de explosionar, y la historia no alcanza ni el vuelo metafórico ni la malicia que en manos maliciosas (Haneke, por decir alguien) hubiera tenido. Tampoco los actores trasmiten más allá de la onda media. En fin, que se sale de ella sin el menor temor a ponerse una flor en el ojal.

Marine comenzó su carrera como modelo a la edad de quince años y no fue hasta la edad de veinte años que comenzó su carrera interpretativa.

Curiosamente, fue en una tienda de la marca de ropa y complementos H & M del barrio parisino de Ópera, donde un agente de modelos se fijó en los rasgos finos, estilizada figura y profundos ojos azules de la joven, ofreciéndole su primer contrato como maniquí.

En el año 2011 obtuvo el papel de Tessa en la película de Cédric Klapisch ‘Ma part du gâteau’. Ese mismo año, también fue la sucesora de Kate Moss en la campaña publicitaria de los perfumes de Yves Sant Laurent, marca para la que protagonizó un spot dirigido por Darren Aronofsky, el cineasta artífice de ‘Cisne negro’, entre otras películas. También ha posado para el objetivo de los fotógrafos de firmas como Ralph Lauren o Chloé.

Asimismo, desde su inicio en el mundo del espectáculo, ha sido fotografiada por Juergen Teller y ha protagonizado portadas en publicaciones de prestigio como ELLE, Obssession o Interview.

Tras su primera incursión en el mundo del cine con Klaspisch, en el año 2012 tomó parte en ‘The Man with the Golden Brain’, dirigida por Joan Chemla y en la que interpretó a Alice.

Ese mismo año, dio vida a Isabelle Rucillio en la película de Alexandre Arcady, ‘Ce que le jour doit à la nuit’.

Pero es en el año 2013 cuando comienza a ser más conocida gracias a su primer papel como protagonista. Se trata del controvertido rol como Isabelle en la película ‘Joven y bonita’ (‘Jeune & Jolie’) del director François Ozon.

En el film, Marine interpreta a Isabelle, una adolescente de 17 años perteneciente a una familia adinerada, que oculta que se dedica a la prostitución de lujo.

Estrenada en el Festival de Cannes en el año 2013, el largometraje fue aclamado por la crítica. La película fue nominada a la Palma de Oro en el festival de Cannes y el director obtuvo el galardón TVE Otra Mirada en el Festival de Cine de San Sebastián.

Por su interpretación en ‘Joven y bonita’, muchos hablan ya de Marine Vacth como un icono del cine actual y la comparan con Catherine Deneuve en la gloriosa cinta ‘Belle de jour’.

A continuación, el listado completo:

Competición oficial:
“Todos lo saben”, de Asghar Farhadi (película de apertura).
“En guerre”, de Stéphane Brizé.
“Dogman”, de Matteo Garrone.
“Le livre d’image”, de Jean-luc Godard.
“Netemo sametemo (asako i & ii)”, de Ryusuke Hamaguchi.
“Plaire aimer et courir vite”, de Christophe Honoré.
“Les filles du soleil”, de Eva Husson.
“Ash is purest white”, de Jia Zhang-ke.
“Shoplifters”, de Hirokazu Kore-eda.
“Capharnaüm”, de Nadine Labaki.
“Buh-ning”, de Lee Chang-Dong.
“Blackkklansman”, de Spike Lee.
“Under the silver lake”, de David Robert Mitchell.
“Three faces”, de Jafar Panahi.
“Zimna wojna”, de Pawel Pawlikowski.
“Lazzaro felice”, de Alice Rohrwacher.
“Yomeddine”, de A.B. Shawky.
“Leto” (“El verano”), de Kirill Serebrennikov.

Una Cierta Mirada:
“Gräns”, de Ali Abbasi.
“Sofia”, de Meyem Benm’barek.
“Les chatouilles”, de Andréa Bescond y Eric Metayer.
“Long day’s journey into night”, de Gan Bi.
“Manto”, de Nandita Das.
“À genoux les gars”, de Antoine Desrosières.
“Girl”, de Lukas Dhont.
“Gueule d’ange”, de Vanessa Filho.
“Euphoria”, de Valeria Golino.
“Mon tissu préféré”, de Gaya Jiji.
“Rafiki”, de Wanuri Kahiu.
“Die stropers” (“Les moissonneurs”), de Etienne Kallos.
“In my room”, de Ulrich Köhler.
“El ángel”, de Luis Ortega.
“The gentle indifference of the world”, de Adilkhan Yerzhanov.

Fuera de competición:
“Solo: A Star Wars Story” (“Han Solo: Una historia de Star Wars”), de Ron Howard.
“Le grand bain”, de Gilles Lellouche.

Sesiones de medianoche:
“Arctic”, de Joe Penna.
“Gongjak”, de Jong-Bing Yoon.

Sesiones especiales:
“10 Years in Thailand”, de Aditya Assarat, Wisit Sasanatieng, Chulayarnon Sriphol y Apichatpong Weerasethakul.
“The state against mandela and the others”, de Nicolas Champeaux y Gilles Porte.
“O Grande circo místico” (“El gran circo místico”), de Carlos

Diegues:
“La traversée”, de Romain Goupil.
“À tous vents”, de Michel Toesca.
“Les âmes mortes”, de Bing Wang.
“Pope Francis – A Man of his Word” (“El papa Francisco: Un hombre de palabra”), de Wim Wenders.

Michael Haneke pasea por el festival de Cannes como si fuera su casa. En realidad podría ser su segunda residencia. Toda su carrera ha estado ligada al certamen. Desde sus dos primeras películas, El séptimo continente y El video de Benny, que participaron en la Quincena de Realizadores, a las dos últimas, La cinta blanca y Amor, que ganaron sendas Palmas de Oro. Él se ríe. No es hombre muchas palabras, prefiere que las películas sean las que cuenten sus propias historias. Y en Happy End muestra el derrumbe de una familia de la alta burguesía francesa, un grupo con sus divorcios, sus soledades, sus hijos abandonados… y rodeados de la última oleada de refugiados, ya que viven en Calais.

Haneke ha rodado por cuarta vez con Isabelle Huppert y por segunda ocasión con otra leyenda del cine francés, Jean-Louis Trintignant, que a sus 86 años se explayó acerca de lo feliz que es trabajando con el cineasta: “Siempre es un placer trabajar con Michael. Es muy bueno en la exploración psicológica, es un director muy preciso”. Sobre el final, abierto, en el que acaba sumergido en el mar, el actor explicó: “Lo filmamos en tres días y es muy ambiguo. Michael decidió que sería así, y yo por tanto también estoy contento”, antes de empezar a reír. A su lado, Haneke completó la descripción. “El agua estaba fría, el mar le congelaba, y no estábamos seguros de que alcanzara potencia visual”. Lo que el actor remató: “Pedí a los productores que grabáramos el final ya en Cannes, que el tiempo sería mejor y así estaríamos fijo aquí”.

Haneke hizo alguna descripción más detallada de su manera de trabajar. Por ejemplo, con la violencia, y a que en la película hay distintos momentos explosivos y un gran accidente laboral: “En mis películas siempre hay tomas largas. No me gusta mostrar la violencia en primeros planos, para mí la distancia es la manera correcta de mostrarla”. En Happy End hay una presencia constante de las redes sociales, que el cineasta ha explicado así: “El mundo ha cambiado muchísimo en los últimos 20 años. Se ha sumergido en aguas turbulentas. No se puede describir el mundo actual sin las redes sociales, pero no es el tema de la película”. Aunque después apuntó: “Las redes sociales no son la vida real. Su superficialidad marca las relaciones actuales”.

Curiosamente, cuando acabó Amor, el director escribió un guion que sí tenía que ver con las nuevas formas de comunicación, Flashmob. “Perdí dos años en ella, y decidí no hacerla, no lo vi claro. Es cierto que algunos detalles de aquel guion están en este”. El director escribe muy rápido los guiones, y pronto tuvo uno nuevo: “Decidí tirar hacia adelante. Junto los caracteres, sus vivencias, y creo la trama. No es tan fácil como parece porque en realidad no hay grandes sorpresas ni trucos en Happy End. Pero sí quería que quedaran claras las líneas que sobrevuelan el argumento. Mi apuesta es enseñar lo menos posible para que sea la imaginación del espectador quien complete el filme”.

Esos huecos a rellenar por los espectadores son los que llevan a Haneke a rechazar muchas preguntas. Cuando le pidieron que ahondara en la secuencia en la que un grupo de refugiados subsaharianos acaba comiendo en una celebración familiar, cortó la cuestión: “No quiero responder sobre los inmigrantes, porque es usted quien tiene que responder esa pregunta. Yo coloco pistas para el espectador, y él tiene que encontrar sus respuestas”. Lo mismo hizo cuando el moderador le pidió a una actriz que comentara su personaje, poco dibujado en pantalla: “No describas tu personaje, esa una pregunta horrorosa que nunca se puede hacer”. Tampoco el reparto -al completo- que le rodeaba, entre ellos Mathieu Kassovitz, Toby Jones o Isabelle Huppert, aportó mucho más que un “Qué placer es trabajar con Michael, siempre estaré con él cuando vuelva a llamarme”.